Conciertos Participativos de la Fundación La Caixa

Hace aproximadamente un año que conocí la existencia de los Conciertos Participativos de la Fundación La Caixa. Me llamó poderosamente la atención. Aficionados a la música con ciertos conocimientos de música que quisieran cantar una obra coral de envergadura como El Mesías de Haendel. Al parecer en Cataluña lo venían haciendo desde hacía tiempo y ahora lo iban extendiendo por otras ciudades de España. En Madrid se organizaba una selección para El Mesías. Ya se había terminado el plazo y además sentía que podía ser un poco precipitado haber intentado participar en ese evento. Apunté en mi Moleskine de un año vista el día en el que debía ponerme a investigar para la edición del año 2009. Lo dejé estar, seguí con mis clases de música y con la vida... Transcurrido un año la legendaria libreta/agenda me recordó que debía estar al tanto de la nueva convocatoria. Esta vez sería otra obra magna, el Carmina Burana de Karl Orff (parece ser que su pronunciación original es la de Cármina Burana). Seguí las instrucciones de la página web para poder participar. Preparé los fragmentos que pedían preparase y acudí al Auditorio Nacional un domingo por la mañana a una audición. Yo, que tantos casting he hecho a lo largo de mi vida, ahora, a estas alturas se cambiaban los papeles. Yo estaba del otro lado. Llegué con demasiado tiempo de antelación pensando que habría alguna aglomeración. Fué lo contrario. No había nadie. La gente estaba citada a una hora concreta y se cumplía un riguroso orden de uno a uno. Para hacer tiempo me senté en la terraza que hay frente al auditorio junto la gente que disfrutaba de un aperitivo leyendo los periódicos del domingo. Yo también me senté, pedí una cerveza y me puse a repasar la partitura. Al rato pensé que ya era demasiado tarde para estudiarla, como hacía de joven -estudiar en el último momento- y pensé que la suerte estaba echada y lo mejor era relajarse, disfrutar de la mañana soleada y de la cerveza y me dediqué el resto del tiempo a leer también los periódicos. Cuando llegó el momento volví al auditorio y me hicieron bajar a un hall donde esperé mientras veía las fotos de músicos famosos que colgaban de la pared. Me preguntaron si quería pasar a una sala para calentar la voz. La verdad es que yo lo único que he calentado últimamente eran los músculos de las piernas antes o después de una carrera. Dije que no, pero una chica que acaba de salir de la prueba me recomendó que lo hiciera. Para no quedar ya como una auténtico aficionado/ignorante accedí y pasé a una sala grande, vacía y con un gran piano de cola. Estaba allí solo, solo de verdad, estirando... digo calentando la voz. Laaaaaaa, miiiiiiii....

Me vinieron a buscar y me condujeron a una sala anexa y parecida a la que antes me encontraba. Me recibió un hombre encantador que me presentó al pianista, un hombre joven. El director -Joan Cabero- sería más o menos como yo, quizá algo más jóven. El trato fué en todo momento afectuoso y muy paciente, me hacia repetir y me corregía, por lo que al cabo de unos minutos pensé que la cosa no iba bien y que podía ir despidiéndome. Para mi sorpresa -de verdad- el director afirma que parece que no he estudiado mucho -lo cual era verdad- pero que cree que si me comprometo a estudiar la partitura de verdad me da como apto. Fué una sensación muy agradable, y emocionante. Salí contento y le dí las gracias por la clases, porque realmente me pareció una clase de música gratuita lo que había recibido.

El Mesías de Haendel el año pasado

Dicen que una de las grandes satisfacciones para un amante de la música es participar directamente en un evento musical en grupo, intervenir con más personas en un hecho artístico, sentirse dentro y parte de un todo con la música, con las sensaciones que se experimentan en esos momentos de pura creación. Esas razones las he venido escuchando en los últimos años y desde hacía tiempo estaba buscando el lugar y la forma de hacerlo. Creo que lo he encontrado.

El Mesías de Haendel el año pasado

Este sábado y domingo han sido los dos primeros ensayos. Auditorio Nacional. 300 personas cantando el Carmina Burana. Emocionante. La dirección de Joan Cabero continúa en la línea de lo que le ví hacer en la audición. Realmente dar una clase magistral mientras dirige. Con simpatía y con un saber estar en el escenario que realmente sobrecoge; el tiempo pasa volando -sólo hay un descanso de media hora de las cuatro de ensayo- y la sensación como digo es la de estar participante de algo especial. La gente que forma este coro montado para la ocasión es de lo más variopinta. Desde gente mayor -hombres y mujeres- hasta jóvenes. Gente de aspecto clásico y gente a la última. Moteros, amas de casa, estudiantes... de todo. Una gran experiencia.

Parece ser que los Cármina Burana son una colección de cantos goliardos de los siglos de los siglos XII y XIII reunidos en un manuscrito encontrado en el siglo XIX.
La Wikipedia dice lo siguiente:
El término procede del latín cármĕn carminis, ‘canto’ o ‘cántico’ (no confundir con la palabra árabe carmén ‘jardín’), y burana es el adjetivo gentilicio que indica la procedencia: ‘de Bura’ (el nombre latino del pueblo alemán de Benediktbeuern). El significado del nombre es, por tanto, ‘Canciones de Beuern’.Aunque generalmente se encuentra escrito Carmina (sin tilde, como en el original latín) se pronuncia /kármina/. Para evitar que un hispanohablante pronuncie erróneamente (lo cual sucede con mucha frecuencia entre músicos y locutores), la Real Academia Española^[1] sugiere que a las palabras latinas se les coloque la tilde (en casos como este en que la ortografía latina no coincide con la española).

Carl Orff (Múnich, 10 de julio de 1895 — Múnich, 29 de marzo de 1982). Fue un compositor alemán del Neoclasicismo musical que continuó con la corriente comenzada por Igor Stravinsky (aunque este tuvo una obra ecléctica).

Estudió música y composición desde 1920 en la Akademie der Tonkunst (alemán, academia de las artes acústicas), su ciudad natal. Dirigió algunas obras de teatro y en 1924 fundó junto a la bailarina Dorothea Günther una academia para enseñar música y baile a niños. Desde los comienzos dedicó su investigación a la naturaleza del sonido y del ritmo, así como de las relaciones entre música y movimientos corporales. Resultado de estos estudios fueron sus teorías sobre la enseñanza de la música, que expuso en una obra titulada Schulwerk (Trabajo escolar), en la que se concede especial importancia a la educación musical de los niños. Orff es sobre todo conocido por Carmina Burana, obra que se estrenó en Fráncfort del Meno en 1938. Se trata de una cantata escénica basada en los goliardos de los siglos XII y XIII. Es la primera de Trionfi, una trilogía que también incluía Catulli Carmina (1943) y Trionfo di Afrodita, que reflejaba su interés por la poesía alemana medieval y por la lírica grecolatina, ya que la letra de los Catulli Carmina es obra de Cayo Valerio Catulo (el prólogo y el epílogo sí son creación de Orff) y Trionfo di Afrodita es una selección de textos de Catulo, Safo y Eurípides. A pesar de la "modernidad" que hay en algunas de sus técnicas de composición, Orff es capaz de capturar, en la trilogía, el espíritu de la Edad Media con ritmos contundentes, pegadizos y armonías elementales. Los poemas medievales, escritos en una antigua forma de alemán y en latín, eran frecuentemente de carácter lúdico, a veces picantes pero sin ser nunca obscenos. En los círculos pedagógicos es recordado por su Schulwerk ('Trabajo escolar' en alemán), compuesto entre 1930 y 1935, traducido como Música para niños. Su simple instrumentación permitía incluso a niños sin formación musical ejecutar la pieza con facilidad. La mayor parte de su vida Orff trabajó con niños, utilizando la música como herramienta educacional. Tanto la melodía como el ritmo generalmente están determinados por las palabras en alemán. Años después fueron traducidas por Guillermo Graetzer, que las adaptó al español. Su estilo ha sido repetido por los numerosos músicos que siguieron con él master-class. Citaremos por ejemplo al compositor neozelandés Edwin Carr (1926-2003). Después de finalizar la II Guerra Mundial, Carl Orff tuvo problemas para conseguir trabajo debido, principalmente, a su controvertido nexo con el nazismo.^[1]En su honor se llama el asteroide (21125) Orff, descubierto por Freimut Börngen, en 1992.

POR QUÉ BEETHOVEN TIRÓ EL ESTOFADO

Compré hace poco este libro pensando en que algún día lo leería Cristinita, pero al final lo he acabado leyendo yo. Son historias más o menos reales que les ocurrieron a compositores famosos. Un análisis sobre su personalidad y su historia, todo ello contado con un tono marcadamente juvenil, como si el autor estuviera dando una charla en un colegio o en un conservatorio. El bueno de Bach y sus problemas con su prole y sus deudas, la rara niñez de Mozart y su corta y exagerada vida, las excentricidades del gran Beethoven, como a la que hace mención el título en la que el magnífico y uraño autor tiró un plato de estofado a un camarero porque no le gustaba ni la comida ni el trato recibido. La curiosa vida de Stravinsky, por el que el autor -violonchelista profesional- siente gran admiración.

Con un tono humoristico y aparentemente despreocupado Steven Isserlis se introduce en el fascinante mundo de seis autores, que cada uno en su época, dieron un giro a la música clásica. Un libro agradable de leer.

Dias de Semana Santa

El cine en esta Semana Santa ha brillado por su escasez, además de que alguna de las películas que he visto estos días no merecen ni siquiera una mención en este blog. Heima es un caso aparte. De hecho no sé si considerarla una película al uso, un documental, un musical documental... Se trata de una película que recoge la gira del grupo islandés Sigur Ros por su propio país durante el 2006. Hasta ahí bien, pero la película es especial no sólo porque la música del grupo lo es y mucho sino porque en cuanto empiezan a verse los primeros fotogramas vemos un tratamiento de la imagen que no es muy habitual en un video sobre la gira de unos músicos. La textura de la imagen, la alta calidad técnica de la fotografía (ideal para probar una pantalla nueva de tv) y los paisajes que son de una belleza extrema, la utilización del silencio, de los grandes espacios, todo ello es de una belleza sobrecogedora. Los músicos hablan si, pero poco y con cierta intención (inglés sin subtítulos) y los lugares donde actuan son de los más interesante: en medio de la nada, en un pequeño pueblo, en una fábrica abandonada o en la capital del país. Reconozco que desde que escuché por primera vez a este grupo he sido un ferviente seguidor, aunque cada vez sean más famosos. Cantan en un idioma desconocido, una especie de dialecto de Islandia, el líder tiene una voz realmente curiosa y enigmática, todos son multiinstrumentistas y aunque las armonías pudieran parecer simples, creo que no, son melodías sencillas pero no simples, que no es lo mismo. Si se puede ver solo, con cierta continuidad y cierto recogimiento creo que la película tiene algo de balsámico o relajante. Enigmática, visualmente extraordinaria y no se parece a nada de lo visto últimamente. La guardo, la conservaré y la veré de vez en cuando.

En estos dias también termino el libro de Vila-Matas. Como indica el título es un diario. ¿Porqué despiertan tanto interés los libros-dietarios?¿Nos parece que es como leer ese cuaderno que podemos encontrar en el fondo de un cajón?¿Son de verdad íntimos?¿Son una impostura del autor que sabe que le van a leer y por tanto no son tan íntimos? Todo depende de lo que digan. Lo que dice o escribe Vila-Matas sí me ineresa. Sus viajes de trabajo, viajes literarios sobre todo a París, ciudad que conoce y admira. Su interés y sus costantes referencias a Kafka, sus paseos por Madrid o Barcelona en compañía de amigos escritores. Su nueva vida, (parece que ya sin excesos) y que como le dice otro amigo escritor: creo que ha llegado la hora de vivir más atentamente. El libro está lleno párrafos para subrayar. Hay que saber -decía Himket- que la cosa más real y bella es vivir. Y no olvidar que vivir es nuestra tarea. Estemos donde estemos, hemos de vivir como si nunca hubiésemos de morir.

Vila-Matas habla en sus páginas de Gil de Biedma, Paul Auster o Pau Riba, de libros como el Diccionario de los errores de Ennio Flaiano. Este es un libro escrito con breves párrafos cambios de tema continuos, por lo que su lectura puede ser irregular, entre medias de otros libros o revistas. Sus referencias a libros, películas o personas interesantes hacen de este libro un entretenimiento altamente instructivo además de placentero, porque la forma en que está escrito es bastante directa, sin grandes artificios literarios, supongo que así debe ser un diario. El caso es que se lee con agrado, como si te lo estuviera contando directamente el autor.

repaso a cine reciente (brevemente) microcríticas

Tenía ganas de reir, sin grandes complicaciones, pero no pudo ser. No se puede ver mas de quince o veinte minutos. Sin gracia, con gran presupuesto, aburrida.

Basada en la novela de una grande del petardeo periodístico, Elvira Lindo. Una Palabra Tuya es una película destacable. El cine español anda bastante mal, por eso cuando de vez en cuando aparece una cinta buena como ésta hay decirlo. La historia es creíble, muy creíble y está bien construída. El reparto es bueno destacando el papel de Malena Alterio por encima de el de Esperanza Pedreño que todavía arrastra el tic Cámera Café. La anciana y enferma madre es también un acierto de casting y la fotografía y la música son muy apreciables. Pero una de las cosas que sobresalen como valor son las localizaciones. Se sabe que las localizaciones son parte del proceso creativo del director (y del localizador) y que eligiendo bien los lugares de rodaje ya se tiene bastante ganado. Las localizaciones madrileñas (zona Nuevos Ministerios) el barrio donde viven y el remoto cementerio son un acierto que llevan por muy bien camino la puesta en escena. La directora (que como Lindo también es megasuperguay) hace un buen trabajo con los actores y con el montaje, porque el ritmo y la manera de contar es moderna (alejada del tópico nacional) tiene pulso, ritmo y emoción. Yo sinceramente, a día de hoy si se me cruzara un guión, si tuviera que dirigir una película, que Dios no lo quiera, me gustaría que mi nombre apareciera como dirigido por... en una película como ésta.

Me dormí hacia la media hora. No entendía nada, cine de intrigas político-empresarial-social

bastante aburrida. En este tipo de cine o se entra o no se entra. Había oído hablar bien de ella, pero nada.

Cine del grande hecho por uno de los grandes. Espero que a pesar de ser un hombre ya mayor a Clint le quede tiempo para hacer muchas películas como ésta o del nivel de ésta. La única película norteamericana reciente que vale realmente la pena. Pero claro, es clint Eastwood, tocado ya del halo de la maestría. La verdad es que la historia recuerda a otras historias de su filmografía, como las hacen los grandes: contar siempre la misma historia pero de distinta manera. ¿Es que acaso esta cinta no se podría definir como dicen los críticos sesudos como un western crepuescular? Yo creo que sí. De hecho Clint siempre ha hecho películas del oeste, western, aunque transcurran en Nueva York o en Algete. La redención, la justicia, el perdón... todo estaba ya en el cine de Eastwood y lo está también en Gran Torino, en la Gran Gran Torino.

Lo mejor de todo es el cartel. Un homenaje a las pelis clásicas. Pero solo eso, el cartel. Porque la película tampoco la entendí. Ésta si la ví hasta el final. Pero no entiendo a los Cohen cuando se ponen cómicos. Da cosa ver a dos grandes actores como Pitt y Clooney haciendo literamente el tonto solo porque es una cinta de los Cohen. Son como Almodóvar o Woody Allen. Cuando llaman a un actor, por estrellas que estos sean corren a hacer la película sin leer el guión, aunque luego la película sea un fiasco, pero ya han cubierto su cuota de cine de autor, de cine de prestigio. Que difícil es hacer una buena comedia.

El cine francés, como en general todo el cine europeo cuando se hace bien es como quien dice dos veces bueno. Debe ser por el complejo que tenemos con el cine norteamericano. Los gabachos están quizá muy cerca del cine con mayúsculas. Quizá porque se atreven con temas fuertes, de enjundia y quizá porque también nadie se atreve a corregisrles. Hacen lo que quieren y punto. Es un acierto. La actriz inglesa afincada en París Scott Thomas está que se sale como casi siempre. El tema, la forma... Buenísima película. Y lo mejor... no saber de qué va. Una gran sorpresa.
Así, sin mucho pensar publico las mirocríticas.

El Luthier de Ópera, nueva serie de fotos

Antes del verano del año pasado Cris tenía que cambiar ya de violín porque aquí mi amiga ya había pegado ese estirón que la ha dejado como está ahora, con ese cuarenta y uno de pie y esa fuerza que en sus abrazos te deja sin aliento. El violín de tres cuartos en su hombro y mano le quedaba como esos instrumentos pequeñitos que venden como broches para vestir. Así que había que cambiárselo por un cuatro cuartos y ya puestos comprarle uno que ya le durara un tiempo. Las recomendaciones apuntaban a ir a un luthier y no a una tienda normal de instrumentos musicales como en la que habíamos comprado el anterior instrumento. Ventajas de ir a un luthier según nos decían: trato mas personalizado, mejores instrumentos, posibilidad de futuros cambios, mantenimiento... Nos recomendaron El Luthier de Ópera y allí fuimos. La primera vez fué para pedir cita. No valía por teléfono, había que ir y hablar de la violinista. Bien, fuí, allí estaba Carlos el luthier atendiendo a unos clientes y parco en palabras me preguntó las características de la niña y me emplazó para unos días después. Cuando volvímos el día indicado nada más entrar por el taller comprobamos los beneficios de tratar con un luthier, en concreto con El Luthier de Ópera. Hombre joven de maneras suaves y elegantes tenía preparado un estupendo sillón antiguo para que se sentara Cris. Su madre y yo a un lado y en silencio. Los violines colgaban del techo, lo violonchelos y contrabajos apoyados por las paredes en un sótano al que se accedía de la calle por una estrecha puerta y una empinada escalera. En una bancada alta tenía una serie de violines apoyados. Cogió uno y de lo dió a Cristi. Toca algo... ¿el qué? no sé, lo que quieras le dijo. Cristina comenzó a tocar. ¿Que tal? Bueno... Ahora prueba este otro... ¿Qué tal? ¿Este mejor o peor? No sé, mejor. Los papás secando con la fregona las babillas... Y así estuvieron probando los dos hasta que finalmente dieron con el adecuado. Aquel lugar y la forma en que el luthier habia estado hablando de los matices del sonido, las características a cual más sutil de los instrumentos y en general el ambiente me cautívó. Al terminar le pregunté si le importaría que volviera en otro momento para hacer una pequeña sesión de fotos del taller. Me dijo que sí aunque declinando amablemente la posibilidad de salir él en ellas y quedamos para otro día. Volví el día acordado con la cámara y el trípode. Alrededor de las once de la mañana. Carlos estaba solo, trabajando en la parte de atrás del local, en el taller. Mientras disparaba las fotos tuvimos una amigable charla. Me contó que llevaba muchos años en este oficio, que lo aprendió de otro maestro, que no hay otra manera de aprenderlo, que no hay escuelas de luthier. Que empezó poco a poco, montó su propio taller y fué creciendo el negocio del tal manera que tuvo que ir metiendo a cada vez más empleados hasta llegar a ser siete. Aquello era una negocio rentable, pero cada vez más estresante. La cosa se fué complicando hasta que decidió cerrarlo y al cabo del tiempo abrió este taller con otra idea bien distinta, la de tener un trabajo estable, pero también más tranquilo. No tiene vocación de crecer como negocio. Ví que tenía colgados del techo algunas insignias, una especie de banderas y me empezó a hablar de cosas más personales. Su mujer es japonesa y tienen dos hijos. Los símbolos los tiene porque son practicantes de disciplinas orientales -meditación, yoga...- y su vida ha cambiado totalmente. Viene en tren desde la zona noroeste de Madrid, no va en coche. Horario continuado hasta las cinco de la tarde para poder irse a casa para estar con los suyos, en definitiva trabajar para vivir y no al revés. Su charla y su voz era moderada, pausada e irradiaba calma y serenidad. Resultó un encuentro interesante y enriquecedor.
He tardado tanto en publicar las fotos en el blog por una duda de caracter estético. Cuando me dediqué a ordenarlas y prepararlas comprobé algo que ya ví durante la sesión. Todos los instrumentos clásicos de cuerda tenían una característica común: el color. Casi todos, no todos, pero casi todos tienen un color similar y eso junto con la luz del establecimiento y el color de fondo de las paredes resultaba todo ello de la misma tonalidad y se empastaban. No soy muy partidario del uso del photoshop, tan solo tal vez para reencuadrar y poco más. Esta vez estuve durante todos estos meses probando la forma de adaptar el tema del color, pero no llegaba a ninguna conclusión. Me ponía con ello, pero al final lo dejaba. Hasta que al final tomé una decisión salomónica y tiré por la calle de enmedio. Todas las fotos irían en blanco y negro. Quería destacar la fuerza de la composión de los encuadres y el color se convirtió en una especie de estorbo. Esa fué la conclusión a la que llegué después de todo este tiempo. Sería una serie de fotografías en blanco y negro. Los instrumentos, sus formas, la manera en que estaban colocados en el taller, todo eso era lo que me interesaba y por una vez no el color. Así que ahí va la serie.

El Luthier de Ópera.

Los Caminos del Cine Español

Que no son buenos tiempos para el cine español lo sabemos todos. Aunque ¿algún tiempo han sido buenos? Es una lástima que tengamos que hablar siempre de casos concretos, de ciertas películas y no de un conjunto o una cinematografía que como tal es deficiente.

Los Girasoles ciegos es uno de estos casos de película fallida. Su director ha querido repetir el éxito que tuvo con La Lengua de las Mariposas en el sentido de que se basaba en algún de un autor conocido. En este caso en Los Girasoles ciegos de Alberto Méndez que había sido un best seller, eso sí a la española, o sea con las ventas de lo que se considera un éxito en el mundo del libro español. Ahí estaba Jose Luis Cuerda al acecho de un argumento como ya lo hizo con el libro del escritor Manuel Rivas, llamado a ser el escritor español por su muy bien orquestaba promoción en los medios. Le debe faltar poco para ser académico, luego Cervantes y ya veremos si Nobel. Cosas del poder mediático en manos de grupos editoriales. Cuerda llama a Rafael Azcona y quieren repetir la fórmula. La película está dedicada póstumente a este gran guionista. Los ingredientes son parecidos, a saber guerra civil, iglesia y poder opresor... No creo que el espectador esté cansado del tema guerra civil en el cine, sino más bien de que se trate siempre desde los mismos y ya manidos puntos de vista sin historias que valgan la pena, ya estén desarrolladas en la guerra civil o en la de Cuba. Y ese es el problema, esta película está llena de tópicos: escritor perseguido y oculto en un zulo tras un armario, brazos en alto, curas malísimos, viuda ardiente, Maribel Verdú por supuesto, pero todo sin sustancia y sobre todo rodado como le ocurre a este director, viéndose claramente la secuencia. Me explico: escenas rodadas que no casan, que no forman una continuidad, sino escenas que empiezan y acaban con la palabra acción y corten, no creando una película plano a plano, configurando ambiente y tensión, bien pegadas una tras otra conformando el filme.

En el otro extremo de la cuestión se encuentra Camino, una película valiente, con tema interesante y con una buena factura. Prueba de que si se quiere se puede. Fesser elige un tema al que al parecer llega por la casualidad. Encuentra hace años un libro o unos cuadernos que hablan sobre el tema y decide ponerse a investigar. Elabora un guión bien armado con puntos álgidos, tensiones, emoción de la dura, de la que hace llorar y un acabado como el que él suele darle a sus películas anteriores. Realización moderna y arriesgada -las escenas de las ensoñaciones de la niña son soberbias- casting medido y adecuado, sin efectos ni artificios mediáticos, fotografía, ambientación... todo en su orden y en su sitio. Una buena película. A Fesser el cambio de registro de los P. Tinto y Mortadelos -por otro lado también necesarios y bien ejecutados como comedias- le viene de miedo pasarse al drama y sale vencedor, como se ha podido ver en la pasada entrega de los Goya. Más películas de este nivel, por favor.

Si hemos hablado de extremos, de una mala y una buena película ¿por qué no hablamos de una película intermedia?¿por qué todo tiene que ser bueno o malo? Las películas, las obras de arte también pueden ser sencillas, medianas, dignas, que aunque no lleguen a la categoría de gran obra, se puedan ver y su honradez sea de verdad y no engañen. Por el hecho de trabajar en Promociones de Antena 3 tenemos que hacer spots, trailers o promos de películas en las que antena haya producido o participado en la producción. Como siempre suele haber de todo, pero en general tratandose de cine español suelen ser bastante malas. Esta semana he tenido que trabajar sobre la película Al final del camino, aún sin estrenar. No sé si ha influido su temática caminodesantiagocomotelóndefondo para que se me asigne esta peli ya que todos saben de mi afición sobre el tema, siempre por detrás de mi compañero Juan Pablo, auténtico cum laude en la materia. Bien pues una vez visionado el filme llego a la conclusión de la que antes hablaba. Nos es una gran obra, pero no pretende engañar a nadie. Es una comedia ligera, con cierto enredo, romántica, pero romántica como de ahora, de estos tiempos, sin empalagos. Efectivamente está apoyada por el Xacobeo y por la Xunta y tiene como telón de fondo el camino de santiago. Aunque se queda en eso, en telón de fondo, en excusa para hacer una especia de road movie pero a pie. Y el camino no destaca especialmente, pero lo poco que sale digamos que está debidamente documentado y no aprecen topicazos en los que otro hubiera caido. Destaca Malena Alterio muy por encima de Fernando Tejero, pero en general el casting es acertado, con algún pequeño exceso como el marido macarrilla y algún otro acierto como la supuesta pareja gay y el gurú argentino. Entre los extremos de una buena y una mala obra de arte como en casi todo hay un amplio espectro en el que moverse. Los que sin ser genios en alguna materia también pueden y deben crear y desarrollar una carrera que tenga unos grandes obejtivos de creación y trabajar duro para poco a poco conseguirlos algún día.

EUME

En la mejor tradición de políticos que antes, durante o después de su carrera política han sido intelectuales descubro la obra del actual ministro de cultura César Antonio Molina. Aunque ya conocía su figura antes de que se dedicara directamente a la política, le he seguido aún más los pasos desde que fué durante algún tiempo director del Instituto Cervantes y ahora ministro de cultura. Este es el primer libro que leo de él y la sorpresa ha sido grata. Impresiones, buenas ideas con las palabras justas, bien transmitidas, con unos versos transparentes, que no buscan la grandilocuencia sino el sentido más profundo de los sentimientos. Me ha gustado. Sabemos que desde que era director del Instituto Cervantes, que tiene sedes en todo el mundo hace presuponer que el cargo le debió de implicar dedicar mucho tiempo a viajar por las diferentes sucursales del instituto. Esto y los largos tiempos de espera, aviones y demás lugares donde alguien con capacidad de observación no sólo exterior sino muy hacia adentro pueda sacar provecho literario y poético a estas esperas. Es lo que ha hecho el autor de Eume. Añorar y comparar el río Eume de su Coruña natal con los ríos de personas, los sonidos, las sensaciones vividas en sus viajes. Consigue plenamente una sensible transparencia en unos hermosos versos.
El primer poema tiene este fantástico título y representa perfectamente el espíritu del libro.

OBLIGADO A ESPERAR DURANTE VARIAS HORAS EN EL AEROPUERTO DE PEKÍN DEBIDO A LAS INCLEMENCIAS DEL TIEMPO PIENSO QUE YA ESTARÁN LAS LLUVIAS CAYENDO SOBRE EL EUME.

Una densa niebla y una gran ventisca impiden despegar.
Donde quiera que vaya: peligro y dificultades.
Haga lo que haga: complicaciones y fracasos.
Al igual que en Madrid pierdo el Metro,
ahora en este otro continente
me detienen adversos aires.
Envejezco en cada aeropuerto.
Envejezco en cada terminal.
Envejezco en cada sala de espera.
¿A dónde van a parar esta horas?
¿Podré reclamarlas al final de mis días?
Como nimbo vagabundeo a merced de los altavoces.
como nimbo vagabundeo a merced de las pantallas.
La azafata de información me sonríe
y me entrega una rama de sauce.
Tú Lung escribió esta máxima:
Un buen viajero es el que no sabe a dónde va.
Un viajero perfecto es el que no sabe de donde viene.
En el aeropuerto de Pekín
el río humano de pasajeros perdidos
también se llama Eume.


Hermoso poema que en mi opinión explica perfectamente lo que siente el autor en esa situación de soledad entre la multitud, de nostalgia de la tierra desde un lejano lugar. Leídos con calma, con ganas de buscar la introspección, he pasado unos gratos y tranquilos momentos con la lectura de este estupendo libro.

Este es el río Eume.


César Antonio Molina, autor de Eume.

Vicky Cristina Barcelona, turismo catalán, tipical spanish, pero ¿donde está Woody Allen?

¿Dónde estaba Woody Allen mientras rodaban en Barcelona esta película? La mano del maestro no se ve por ningún lado. Es triste tener que saber que el autor de esta Vicky... es el mismo que Manhattan, Match Point, Misterioso asesinato... y tantas otras. Es tal la cantidad de errores que tiene este film que hay que ir por partes. Los tópicos empiezan con los primeros fotogramas cuando oímos el rasgar de unos acordes aflamencados sobre unas imágenes de Barcelona color anaranjado y no sabemos si estamos en la Toscana, en Marruecos o España. Confirmamos que estamos en la España cañí cuando vemos a un Javier Bardem haciendo de pintor con mucha vida interior y mucho dinero (tipo Miquel Barceló pero en guaperas) que tiene un padre poeta y que vive en una especie de masía de la Toscana. Conduce un descapotable rojo y siempre tiene una copa de vino en la mano. Se acerca en un restaurante a Vicky y a Cristina y les dice: "me gustaría conoceros, llevaros en mi avión a Oviedo y haceros el amor." Solo fata que hubiera dicho: y olé. Mientras viajan suena Entre dos aguas de Paco de Lucía que te saca de la escena porque la universal música del guitarrista está muy por encima de las imágenes y es cuando empezamos a ver claramente que la película es una especie de reportaje turístico de Oviedo, pero sobre todo de Barcelona y realizado de una manera que me imagino que a los muy catalanistas tampoco les habrá gustado porque se da una visión de una Cataluña muy españolizada, tópica y aflamencada. La película está producida por Mediapro que parece ser una suerte de Gran Hermano de las productoras españolas, que abarca todo el panorama audiovisual y al que le proponen una especie de película para vender Barcelona a los turistas norteamericanos. La Generalitat catalana debe haber insuflado unos buenos euros para promocionar su tierra. Algo así como lo que hace Marina D'or pero a lo grande. Después de que Bardem reparta leña a las norteamericanas como corresponde a un moderno latin lover al que solo le falta el capote torero lanzando el sombrero al aire, aparece Penélope Cruz hacia la mitad de la película haciendo de Sofía Loren, dando gritos y luego se va. Cuando esto se publique ya sabremos si a Pe le han dado o no el Oscar. Si se lo dieran yo me alegraría por aquello del orgullo patrio, pero la verdad, pienso que no lo merece. Sale poco en la pelicula, su papel es muy tópico... la verdad es que no entiendo la nominación. Bardem y ella hacen lo que pueden en una película de Woody Allen. Si les llama este director que van a hacer... pues aprovechar la oportunidad. En fin, intentaré que esta película no ensombrezca mi admiración por este genio del cine que como otros grandes hicieron buenas y malas películas, pero sólo recordamos la buenas, las que merecen la pena ser recordadas y esta desde luego no lo es.

La Nave Firestone

La nave de Firestone que está junto al parking de Antena 3 lleva ya algún tiempo cerrada y abandonada. Creo que tienen un interés especial los edificios abandonados. Tienen su historia, su valor estético. Llevaba un tiempo queriendo entrar y no sabía como hasta que encontré una puerta por la que acceder. Entré, caminé por la oficinas con cierto recelo debo decir, ya que este espacio sobrecoge un poco y la verdad quizá hubiera hecho más fotos si hubiera ido acompañado. De todas las formas fué un rato interesante el que pasé ahí el pasado miércoles.

Le muerte bien expresada

Es esta una película de altura. Como es una gran película, encaja todo. Todas las partes del proceso. Funcionan las intenciones de los autores y el engranaje va como la seda.

Debo decir que el visionado de esta película lo he realizado en condiciones hasta ahora poco ortodoxas como es en un ordenador portátil. Aunque este tipo de visionado tiene a mi parecer otras grandes ventajas además de la puramente física de estar sentado en donde a uno mejor le parezca. Además la vi, o mejor dicho la escuché con auriculares, lo que proporciona un inmersión total en la película además de apreciar cantidades ingentes de matices sonoros que normalmente se pierden en un visionado mas o menos normal. El sonido del viento rozando los sembrados, los pasos sobre la nieve, el crujir de la madera...
La realizacón es lenta. Que nadie espere ver disparos, grandes cabalgadas de vaqueros por el oeste. No, no las hay. Hay personajes de carne y hueso, con miedo, maldad, ambición, con cualidades humanas en definitiva. La historia es más o menos conocida y aquí se parte del rigor histórico para poner la cámara en un lugar donde realmente nos paarece que estemos viviendo ese momento de forma real y auténtica. Como he leído por ahí, es una película que se cuece a fuego lento. Se va calentando, y luego echa a hervir, pero no se cae ni explota, ni nada. Solo se produce la magia del buen cine: Te emociona y no quieres que se acabe. Es curioso como 160 minutos de buen cine pasan volando. La fotografía de Roger Deakins, el grandísimo operador de los hermanos Coen entre otros muchísimos interesantes trabajos. Hace una foto resaltando los colores ocres y muy contrastada, una maravilla. La música es contenida, intensa y envolvete, en su sito, del polifacético músico australiano Nick Cave. La interpretación está a la altura de las circustancias sobresaliendo por méritos propios un Brad Pitt atractivo, pausado, dominando claramente la situación como ese gran actor que es. Cassey Affleck mucho mejor que lo que hace su hermano el solamente guaperas Ben y los secundarios de lujo: Sam Shepard, Mary-Louise Parker. Es sin duda una película sobre la muerte vista desde el lado de un asesino, desde el lado de ambicioso y malvado trepa... La muerte está constantemente presente aunque como digo no es película de muchos disparos a la vieja usanza. Está presente la violencia y el odio, si, pero dentro de los personajes y ellos lo expresan muy bien, sin ni siquiera tener que disparar. Una película altamente recomendable para amantes del buen western moderno.

Muere uno de los grandes grandes

Muere John Martyn, hombretón física y musicalmente. Con una discografía extensísima de muchos años trabajando sin parar sin ser popular al menos como le hubiera correspondido por su talento y obra. Como dicen en El País ha muerto a la edad impropia de 60 años. Es verdad que es una edad impropia. Ninguna edad es buena sin duda, pero esta es rara de vedad... Tampoco él lo facilitaba mucho ya que andaba siempre por el filo de las adicciones peligrosas. Menos rota que la voz de Tom Waits la de Martyn era una voz grave y profunda y practicaba un género realmente especial, lo que muchos han denominado como folk-blues. Desarrolló una forma de cantar inspirada en el timbre y la expresividad del saxo tenor. Se puede decir claramente que Martyn era un músico de culto, él lo sabía y no parecía importale mucho ni a los amigos con los que colaboraba como Eric Clapton o Phil Collins. Lo más cerca que estuvo de conseguir un éxito popular fué en 1973 cuando sacó Solid Air dedicado a su amigo Nick Drave quien aparecería muerto por sobredosis al año siguiente. Es la canción que aparece en el video de youtube que he colgado a continuación. Durante años he escuchado sus discos melancólicos y algo sombríos pero de una indudable belleza. Me ha entristecido su muerte Martyn era además de cantante un formidable y brillante guitarrista, todo lo contrario a como se desarrollaba su vida personal. "Quienes le conocieron aseguran que su divorcio, a finales de los setenta, alteró su débil equilibrio psíquico. Martyn, que nunca siguió una carrera profesional demasiado lineal, apretó el botón de la autodestrucción" En el álbúm The Church with one bell de 1998 versioneó a artistas tan dispares como Billie Holiday, Elmore James, Ben Harper y Portishead. Ya por esos años su salud estaba bastante mermada y una infección en la pierna se sumó a sus desdichas teniéndole los médicos que amputarle una pierna. Los últimos conciertos los realizó en silla de ruedas.

bloguerias de domingo

Vistos los periódicos del domingo, incubando una gripe y con poco interés por la prensa me llaman muy pocas casas la atención.

Esta es la foto gandora del premio de fotografía del semanario Magazine, seleccionada entre 35.000 fotos presentadas.

¿darwin o punset?

"Si desplegáramos la corteza cerebral que nos envuelve, daría para fabricar un mantel de una mesa pequeña. Y en ese mantel estaría todo el control de nosotros mismos y control del universo"

Leo también que Ramoncín es tertuliano de un programa de popular tv. qué cosas.

Con un par... de ovarios

Hay que tener mucho valor para actuar como lo hace esta mujer.

Nadie va descubrir ahora el valor y la valentía de cualquier mujer, tanto en la paz como en la guerra a lo largo de la historia. Pero resulta impresionante observar la valentía de esta mujer palestina frente a las armas de los soldados israelíes. No es una imagen reciente del conflicto de Gaza, son de al parecer hace un año, editadas por una cadena coreana, pero merece la pena verlas porque son impresionantes en cualquier momento.

La poesía no está de moda ¿pero alguna vez lo estuvo?

Acabo de leer este fabuloso libro de poesía, aunque no está escrita en verso y la verdad es que no sé muy bien si es poesía o no. O si es aquello que antiguamente se llamaba prosa poética, textos que tan bien escribía Umbral sobre todo cuando era joven. Aunque qué más dá. Es un libro evocador de la infancia, de como transcurría el tiempo en esa época de la vida, sobre todo en verano, las tardes de verano... La edición de Pre-Textos es una maravilla, el papel, la tipografía, un libro hecho con mucha sensibilidad no solo en el contenido, sino que cogerlo entre las manos es también parte del proceso creativo de los autores.

Reproduzco un pequeño extracto.

¡Que anchas eran las tardes! Se perdía uno en ellas. Estaba el cielo alto sobre el patio, o el jardín, la tarde, como el mar en los mapas, llenándolo todo de azul, y nosotros como barquillos en el mar. No sabíamos donde ir, ni en qué quedarnos, ni para qué. Subíamos a los corredores o bajábamos al jardín y nos quedábamos junto a la fuente, metíamos la mano en su agua, oíamos los gorriones, quizá cruzaba un palomo, o caía una campanada. Por la calle, nadie. Porque los que pasaban a diario acababan por no ser nadie, ser un poco más de aquel silencio, tan grave, de la tarde.
Y uno andaba vacío, de acá para allá, sin tener donde asirse, vanamente; de acá para allá, esperando con vaguedad la llegada de algo sobre la tarde, tan ancha, tan serena e impenetrable.

Son unos textos realmente hermosos para leer tranquilamente en un sillón, en una tarde de invierno, en la cama poco antes de dormir con algo de música tranquila de fondo. Hay poesía más críptica, más difícil de descifrar y que cuesta más entender. Ese tipo de textos la verdad no me gustan. Pero luego hay otros autores, como Muñoz Rojas, que escriben desde la aparente sencillez, textos diáfanos que llegan a mi modo de ver más directamente al alma. Qué maravilla.

Un vikingo en New York

Hace poco a conocí la historia de este personaje a través de la columna de Rosa Montero en El País dominical. Lo leí con detenimiento y después a través de internet consulté toda la información que pude sobre él. Me llamó poderosamente la atención. De antiguo tengo gran interés por los personajes estrafalarios y a veces me interesa más la figura de un autor que la de su obra. Me parece más interesante su vida que su obra. En este caso me interesan las dos cosas. Un hombre vestido de vikingo apostado en una esquina de la sexta avenida durante años, de forma voluntaria, como si tal cosa. Moondog era el pseudónimo de Louis Thomas Hardin (1916-1999)

Moondog decidió apartarse de la sociedad viviendo voluntariamente en las calles de Nueva York durante veinte de los treinta años que pasó en la ciudad. Vestía ropa que confeccionaba él mismo basándose en su propia interpretación del dios nórdico Thor, por lo que fué conocido durante años como "el vikingo de la sexta avenida".

También era músico y se convirtió en uno de los más célebres músicos callejeros de la ciudad. Fué compositor e inventor de instrumentos musicales. Sin embargo la música y el talento de Moondog no fué apreciada por el público hasta los últimos años de su vida. Construyó instrumentos originales de percusión con los que tocaba en la calle.

Era ciego, debido a que de pequeño le explotaron unos cartuchos de pólvora de forma fortuita. Músicos y estrellas de la época buscaban su compañía y respeto, como Leonard Bernstein, compositor y director de la Filarmónica de Nueva York y también era amigo de grandes músicos de jazz.

Nació en un pequeño pueblo de Arkansas llamado Marysville y al quedarse ciego decidió dedicarse a la música manejando dos conceptos claramente: el contrapunto y los ritmos indios del noroeste de los EE.UU.

Partiendo de estos dos elementos, y añadiendo a la receta bastantes gotas de misticismo esotérico y germánico, el inclasificable Moondog, dio vida a más de mil quinientas composiciones en las que hay absolutamente de todo, o de casi todo para ser exactos: temas de orientación jazzística, músicas concebidas para sonar en plena calle, o para hacerlo interpretadas por orquestas cercanas a lo exigido para las composiciones llamadas clásicas, o temas con estructura e inspiración semejante a los madrigales, etc..., pero todo formando parte de una obra nacida para transgredir lo transgresor.

He encontrado en internet prácticamente toda su discografía y la estoy escuchando estos días también mientras escribo esto y he de decir que es una música especial, adelantada y no me extraña que músicos como Terry Ripley, Philip Glass y demás minimalistas reconozcan su influencia. No me extraña que le admiraran ya que Moondog sostenía que su ambición como compositor era conseguir "el arte de esconder el arte, el máximo efecto con los medios mínimos.

Moondog murió en 1999 a los 83 años, pero sus discos todavía se editan y se distribuyen. Acaban de publicar una biografía sobre él. A pesar de ser ciego y raro debía tener tirón con las mujeres pues se casó dos veces, tuvo una hija y mantuvo varias relaciones sentimentales estables.

Mi respeto hacia Moondog. Mi admiración a personas que viven su vida completamente. Libres, originales, diferentes, aportando algo nuevo al mundo. Este blog va sobre cosas que me parecen interesantes, sobre personas que me lo parecen y que han pasado por el mundo haciendo algo fuera de lo común. Moondog lo hizo. Vaya mi admiración y mi respeto.